Jean-Luc Mylayne, n°433-Novembre Décembre 2007, Exposition Tête d'or ©MAC Lyon,

Peut-on parler de prémonition dans la démarche de Jean-Luc Mylayne puisqu'il a l'air de savoir à l'avance comment sera ce moment qu'il saisira? Ces mises en scène qu’il pense, qu’il attend patiemment, qui finissent par se laisser capturer par son appareil photographique dans une apparition soudaine et rapide, réveillent dans l’esprit du spectateur des échos de croyances superstitieuses comme  destin,  prières ou encore forces supérieures à l’œuvre dans la nature, écartant ainsi toute sorte de hasard. Mais au finale seule la notion de kairos peut s’appliquer, kairos  provoqué par l’artiste patient posté dans l’attente de cette rencontre, kairos à part entière en tant que correspondance jouissive, sensation bienheureuse d’être au bon endroit, au bon moment.

Et pourtant la vue de ses clichés n’éveille pas immédiatement toutes ces réflexions, tant ils semblent précisément avoir été le fruit d’un hasard absolu, d’une rencontre inattendue entre l’artiste et le moment saisi. Cet écart, entre la démarche et les œuvres qui en résultent, va en fait donner toute leur force aux photographies de Jean-Luc Mylayne. Parce que la construction patiente se laisse deviner, surtout lorsqu’on est devant le sceptyque de Novembre-Décembre 2007 (n°433 dans l’œuvre globale de l’artiste). Un infime changement de cadrage, de lumière, de mise au point laissent entrevoir le temps qui a passé entre chaque capture.

Cette irruption du temps n’est pas seulement celle, classique, du moment fixé pour toujours sur la pellicule, qu’on peut à juste titre nommer arrêt sur image. Jean-Luc Mylayne nous emmène plus loin, parce que la dilatation du temps est encore plus prononcée dans ce sceptyque. La succession des prises donne l’impression d’une rafale, alors que plusieurs jours ont pu s’écouler entre chacune d’elles. Deux mois ont été nécessaires à la rencontre qui engendre l’œuvre telle qu’elle nous est présentée au Mac de Lyon. Et pourtant l’arbre ne semble pas bien différent d’une photographie à l’autre, le ciel non plus, et l’oiseau ne fait que changer de place. À la fois même et différent par l’action du temps qui devient, non plus seulement une donnée de la technique photographique, mais un élément à part entière des clichés.

Si Jean-Luc Mylayne se définit lui-même comme un metteur en scène, c’est qu’il ne dirige pas que les oiseaux mais qu’il apprivoise aussi le temps pour en faire son meilleur allié, celui qui lui permettra de réaliser son scénario. La mise en scène ne consiste dès lors plus simplement en un arrangement de paramètres divers, puisque aucun de ces paramètres ne paraît contrôlable, mais en une heureuse complétude entre l’artiste et la nature en acte.

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  Peinture, Pierre Soulages, Musée de Grenoble

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Par une représentation de figures géométriques très simples, très épurées, l'artiste parvient à nous attirer, à nous perdre dans ses oeuvres, souvent hypnotiques (comme Descending), renvoyant le spectateur à des illusions d'optique classiques (comme avec Blaze I, Movement in squares, ou Fall). Mais ces peintures ne sont pas de simples illusions. Si leurs procédés semblent similaires, l'approche n'est pas la même. 
Représentante de l'Op'Art, Bridget Riley nous entraîne à remettre en cause notre vue et les certitudes qui découlent de l'immédiateté de l'expérience esthétique, nous perd dans une relation déséquilibrée, ambigüe qui déstabilise nos sens. Des questions se pressent dans notre esprit : "Où suis-je?", "Ai-je la tête qui tourne?", autant d'interrogations sur notre place au sein du monde, notre statut de sujet sensible qui nous font soudain cligner des yeux, regarder ailleurs, à la recherche d'une vision plus confortable.
Par l'usage de formes simples, Bridget Riley nous met ainsi à la fois face à nous-mêmes, et face à la nature perpétuellement changeante. Car si les formes géométriques n'existent pas au sein de la nature, ce sont les seules à pouvoir recréer le vertige que procure la vue d'une tempête, d'un coup de vent ou d'une mer agitée, ce que les représentations figuratives figées ne peuvent réaliser. 
Plus qu'un instant que saisirait l'artiste pour nous le transmettre par la toile, il s'agit pour Bridget Riley de nous plonger dans une sensation prolongée d'appartenance, de découverte du monde. Un moment désemparé, nous glissons, tentant de nous agripper à un élément, rebondissant sur un autre à tel point que l'oeuvre n'est jamais la même d'un instant à l'autre. Bridget Riley souligne que "la nature n'est pas un paysage, mais un dynamisme de forces visuelles, les couleurs et les formes étant libérées de tout rôle descriptif ou fonctionnel"
L'emploi du noir et blanc laisse peu à peu une place pour la couleur (comme dans Cataract 3, Zing, ou Aurulum) qui devient de plus en plus présente, jusqu'à devenir le seul outil de l'artiste, qui enrichit par là le lien de son travail à la nature, mais toujours dans un souci de se démarquer d'elle pour la rendre paradoxalement plus accessible, plus riche à nos yeux. Bridget Riley révèle aisni son souci de permettre à chacun d'explorer et de célébrer une expérience profondément humaine, quand un simple regard se transforme en trésor de mouvement, quand la vue d'un objet nous plonge dans un abîme de sensations.


Crédit photo : AFP/Bertrand Guay

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